忙しい現代人にとって、朝は戦場のような時間かもしれません。しかし、世界的なファッションデザイナーのポール・スミス氏は、毎朝6時に出社し、まずオフィスでLPレコードに針を落とすといいます。
また、作家の村上春樹氏も、翌朝に聴くレコードを前夜のうちに選んでおくという習慣を明かしています。
なぜ、研ぎ澄まされた感性を持つ彼らは、あえて手間のかかる「レコード」を朝の習慣に取り入れているのでしょうか。
1981年にリリースされた『ソングズ・イン・ジ・アティック（Songs in the Attic）』は、1980年のアメリカツアーの模様を収録したライブアルバムである。しかし、本作は単なる「ヒット曲を集めた実況録音盤」とは一線を画している。
ここには、ビリー・ジョエル(Billy Joel)を一躍世界的スターダムへと押し上げた大ヒットアルバム『ストレンジャー（The Stranger）』以降の楽曲は一つも収録されていない。本作の真の目的は、ブレイク以前の初期4作品に埋もれていた珠玉の楽曲たちに、当時の最強のレギュラーバンドとともに新たな息吹を吹き込み、正当な評価を与えることにあった。
この大胆なアルバムコンセプトについて、ビリーの黄金期を支え、彼の音楽的転回点を作り出した名プロデューサー、フィル・ラモーンはライナーノーツに次のような言葉を寄せている。
いくつかの曲は時の流れを超え、常に変わらぬ美しさとインパクトを持ち続ける。一夜にしてスターになることをまだ夢見る人たちへ、これが「ストレンジャー」が私達のレコードコレクションに加わる遥か昔に書かれたビリーのソングライターそしてミュージシャンとしての力量を示すサンプルなのだ。
この言葉通り、本作は多くの人々にとって初期ビリー・ジョエルの優れた「サンプル」となり、彼のソングライティングの原点を広く知らしめる契機となった。
本作の瑞々しいライブテイクによって、かつてスタジオ盤では表現しきれなかった楽曲のポテンシャルが完全に開花した。その代表的な楽曲を解説する。
シーズ・ガット・ア・ウェイ（She's Got a Way）
デビューアルバム『コールド・スプリング・ハーバー』に収録されていたバラードである。当時はマスタリングの不備（テープ速度の誤り）などもあり埋もれていたが、このライブヴァージョンがシングルカットされるとラジオを中心に大ヒットを記録。結果として、幻となっていたファーストアルバムが再評価され、再リリースへと繋がる決定打となった。
さよならハリウッド（Say Goodbye to Hollywood）
1976年のアルバム『ニューヨーク物語（Turnstiles）』に収録されていた楽曲。フィル・スペクター調のサウンドを意識したスタジオ版に対し、このライブ版ではバンドの骨太な演奏が前面に出ている。本作をきっかけに再びシングルカットされ、見事にヒットチャートを駆け上がった。
他にも、ピアノの鍵盤を叩きつけるようなエネルギッシュなパフォーマンスが光る楽曲や、のちの「ロックンロール・エンターテイナー」としてのビル・ジョエルの雛形が、すでに初期の段階で完成していたことを証明するテイクが並ぶ。弦も切れよとばかりにピアノを駆り立て、ステージを支配するビリーと、彼を完璧に支えるバンドとの鉄壁の信頼関係が、すべてのトラックから生々しく伝わってくる。
フィル・ラモーンのプロデュースワークの功績は、このライブバンドを篤く遇し、その一体感をレコードに封じ込めた点にあると思う。
1980年に発表されたビリー・ジョエル（Billy Joel）の7作目のスタジオ・アルバム『グラス・ハウス（GLASS HOUSES）』は、彼のキャリアにおける最大の転換点であり、同時に世界的な大ヒットを記録した重要作である。
グラス・ハウス(期間生産限定盤)
それまでの「ピアノ・マン」や「吟遊詩人」といった都会的で洗練されたイメージを覆し、剥き出しのロック・アプローチを敢行した本作。その音楽的背景、楽曲分析、そして印象的なアルバム・タイトルに込められた真意について、考えてみたい。
本作を紐解く上で欠かせないのが、1970年代末から1980年当時の音楽シーンの潮流である。当時はパンク・ロックやニュー・ウェイヴ（New Wave）が台頭し、旧来のポップスやシンガー・ソングライターを「過去の遺物」として批判する空気が確かに存在していた。
音楽メディアからしばしば「主流派のソフト・ロッカー」とカテゴライズされていたビリーは、この風潮に鋭く反応した。その回答こそが、本作で見せた「エッジの効いたギター・サウンド主体のロック」である。
本作における最大の音楽的変革は、ビリーの代名詞であるピアノの音色がミックスの奥へと退き、代わりにディストーションの効いたツイン・ギター（デヴィッド・ブラウンとラッセル・ジェイヴァス）と、リバティ・デヴィートのパワフルなドラムが前面に押し出された点にある。
レコーディングは、彼のバックバンド（後に「The Lords of 52nd Street」と呼ばれるメンバー）とともに、ほぼ一発録りに近いライブ感溢れる手法で行われた。これにより、シンガー・ソングライター的な予定調和を排した、緊迫感と疾走感のあるサウンドが完成したのである。
全米アルバム・チャートで6週連続1位を獲得した本作は、緻密に計算されたポップ・センスとロックの衝動が見事に融合している。
ガラスのニューヨーク（You May Be Right）
アルバムの幕開けを告げるガラスの破砕音。ピアノではなくギターのリフがドライヴする、ビリー流のハード・ロックである。
ロックン・ロールが最高さ（It's Still Rock and Roll to Me）
自身初の全米シングルチャート1位を獲得。流行を追うメディアを痛烈に風刺しつつ、骨太なビートとサックスソロで聴かせる。
ドント・アスク・ミー・ホワイ（Don't Ask Me Why）
マッカートニー調の軽快なメロディとラテン風味のシャッフル・ビート。本来のポップ職人としてのクオリティが光る佳曲。
レイナ（All for Leyna）
シンセサイザーの印象的なフレーズと、狂気的な愛を歌うビリーの歪んだボーカルが、スケールの大きなドラマを生み出している。
アルバム・タイトル『グラス・ハウス（Glass Houses）』は、英語圏の警句から発想されている。
"People who live in glass houses should not throw stones."
（ガラスの家に住む者は、他人に石を投げてはならない）
このフレーズは、「自分自身に欠点や弱みがある（完璧ではない）人間は、他人を批判・攻撃すべきではない」という意味を持つ。
アルバムのジャケットでは、レザー・ジャケットを身にまとったビリーが、実在する広大なガラス張りの邸宅（当時彼が所有していたウォーターフロントの家）に向かって、今まさに石を投げつけようとする過激なヴィジュアルが切り取られている。
この寓意（アレゴリー）が示しているのは、批評家や音楽メディアに対するビリーからの強烈な皮肉と異議申し立てである。
「安全な場所（ガラスの家）から、自分を古臭いと批判してくるメディアやトレンド追従者たちよ、お前たち自身の足元は本当に安全なのか？」という、ビリーのタフで攻撃的なアティチュードの表れなのだ。
アルバムの冒頭が「ガラスの割れる音」から始まるのも、この既成概念や批判の壁を自ら打ち破るという、強力な宣言に他ならない。
ビリー・ジョエルが1976年に発表した4作目のスタジオ・アルバム『ニューヨーク物語（原題：Turnstiles）』。本作は、彼のキャリアにおける最大の転換点として位置づけられる重要な作品である。
商業的な成功を求めて西海岸（ロサンゼルス）へと移住したビリーであったが、ハリウッドの商業主義や自身の音楽性とのギャップに苦悩することとなる。結果として彼は再び故郷であるニューヨークへと戻り、自らのルーツを再確認する中で本作を書き上げた。邦題が示す通り、アルバム全体に「地元の街（NY）への愛着と、そこへ生きる人々へのまなざし」が色濃く反映されている。
原題の『Turnstiles』とは、駅の改札やスタジアムの入場口などに見られる「回転式の改札ゲート」を意味する。
ニューヨークの地下鉄駅で撮影されたアルバムジャケットには、ビリーの周囲に多様な人々が佇んでいる。実は、ここに写っている人物たちはアルバムの収録曲に登場するキャラクター（キャラクターのイメージに合わせたモデル）である。これは、ビリー・ジョエルが単なるシンガーソングライターではなく、街の人間模様を切り取る「吟遊詩人（ストーリーテラー）」としてのスタンスを明確に打ち出した、極めてコンセプチュアルな演出と言える。
本作の音楽的な最大の特徴は、ビリーのルーツであるポップス黄金期へのリスペクトと、ジャンルに縛られない多様なアプローチにある。
アルバムのオープニングを飾る「さよならハリウッド（Say Goodbye to Hollywood）」は、ビリー自身が公言している通り、ザ・ロネッツの「ビー・マイ・ベイビー（Be My Baby）」に代表されるフィル・スペクターの「ウォール・オブ・サウンド（音の壁）」へのストレートなオマージュである。 ドラマチックなドラムのビートと重厚なアレンジは、後にフィル・スペクター自身が率いるバンドで同曲をカバーしたことからも、そのクオリティの高さが証明されている。
その他にも、珠玉のバラード「シーズ・ガット・ア・ウェイ（She's Got a Way）」に見られる繊細なピアノ弾き語りから、ドゥーワップ、レゲエ調のリズムを取り入れた楽曲、さらにはプログレッシブ・ロック的な壮大さを持つ「ニューヨークの想い（New York State of Mind）」まで、ビリーの圧倒的な引き出しの多さが1枚に凝縮されている。
今日でこそ「誰もが認める名盤」として語り継がれる本作だが、発売当時のチャート成績は全米122位と、決して商業的に大ヒットしたわけではなかった。
当時の音楽シーンは、ディスコ・ミュージックの台頭や、西海岸発のイーグルスに代表されるウエストコースト・ロックが全盛を迎えていた時代である。その中で、東海岸の泥臭さと普遍的なポップス・メロディを追求した本作は、時代のトレンドとは一線を画していた。
しかし、日本国内においては早くからそのメロディセンスが注目されており、後にサザンオールスターズの桑田佳祐が「嘉門雄三」名義のライブで「さよならハリウッド」をカバーするなど、ミュージシャンズ・ミュージシャンとしての高い評価を確立していく。
不思議なことに、本作の楽曲たちが大衆に正当に評価されるまでには少しの時間を要した。決定打となったのは、後にリリースされるライブ・アルバム『ソングズ・イン・ザ・アティック（Songs in the Attic）』（1981年）である。
ビリー自身、インタビューで「当時は良いアルバムを作ること（スタジオワーク）に心血を注いでおり、演奏活動は生活のためという側面もあった」と回想している。しかし、皮肉にも彼の真骨頂はライブステージにあった。ピアノの上に登り、汗を流しながら熱唱するエネルギッシュで説得力のあるパフォーマンスによって、オーディエンスは『Turnstiles』の楽曲が持つ本当の熱量に気づかされることとなる。
本作で自身の音楽的アイデンティティ（NYのバンドサウンド）を完全に確立したビリー・ジョエルは、この翌年、世界的出世作となる次作『ストレンジャー（The Stranger）』（1977年）を世に送り出し、ポップス界の頂点へと駆け上がっていくのである。
1970年代のポップス・ロック界において、稀代のメロディメーカーとして君臨したビリー・ジョエル。彼のディスコグラフィにおいて、1974年に発表されたサード・アルバム『ストリートライフ・セレナーデ（Streetlife Serenade）』は、ブレイク前夜の過渡期に生まれた「隠れた名盤」として語られることが多い。
しかし、本作は単なる「ストレンジャーへの踏み台」ではない。当時のミュージックシーンの潮流と、ビリーが抱えていた葛藤が見事に結晶化した、極めてコンセプチュアルな作品なのである。
日本において本作を聴く際、ある種の「タイムラグ」による違和感を覚えるリスナーは少なくない。
本作のオリジナル・リリースは1974年である。しかし、日本盤が本格的にレコード棚に並んだのは、大ヒット作『ストレンジャー』（1977年）の成功を受けた1978年のことであった。前作『ピアノ・マン』のスマッシュヒットだけでは、当時の日本のレコード会社は国内展開への確信を持てなかったのだろう。
この「後追い」の構図が、本作を初期のマイナーな実験作のように錯覚させる要因となったが、その中身は驚くほど先進的である。
本作の音楽的特徴を語る上で欠かせないのが、モーグ（Moog）・シンセサイザーの積極的な導入である。
1970年代中期、プログレッシブ・ロックの隆盛やシンセサイザーの技術革新により、ポップス界でも電子楽器を取り入れる動きが加速していた。ビリー・ジョエルもまた、この時代の空気を敏感に察知していた一人である。
本作の幕開けを飾る「ストリートライフ・サヴァイヴァー」や、シングルヒットした「エンターテイナー」では、印象的なシンセサイザーの音色が楽曲を駆動する。ピアノ・マンとしてのアイデンティティを持ちながらも、新しい時代のサウンドへ挑戦しようとするビリーの野心的なアプローチが、アルバム全体にモダンな色彩を添えている。
本国アメリカでヒットを記録した「エンターテイナー」は、一聴すると陽気なポップ・チューンだが、その歌詞には売れてナンボの「ミュージシャン稼業」に対する強烈な風刺と悲哀が込められている。
「僕のレコードなんて、豆の缶詰みたいに、すぐディスカウントの棚に入っちまうさ」
前作『ピアノ・マン』の成功によって業界の裏表を目の当たりにしたビリーのフラストレーションが、皮肉たっぷりな名リリックとして昇華されている。ヒット曲を求められるポップ・スターとしてのプレッシャーと、自身の芸術性の狭間で揺れ動くビリーの人間臭さが、この曲の最大の魅力と言える。
ビリー・ジョエルのアルバム制作は常にコンセプチュアルだが、本作はその色がとりわけ濃い。特筆すべきは、アルバム内に2曲のインスト曲が含まれている点である。
シンセサイザーと生楽器が絶妙に融合した「ロート・シガレット（Root Beer Rag）」で見せる圧倒的な鍵盤テクニック、そしてアルバムの幕引きを飾る「メキシカン・コネクション」。
特に、のちに長くライブの締めくくりとして愛されることになる短い名曲「スーベニア」から、インストの「メキシカン・コネクション」へとシームレスに流れて幕を下ろす構成は、アルバムを一枚のトータル・ワーク（総合芸術）として聴く体験を特別なものにしている。
「ヒット曲がナンボのもんじゃい」と言わんばかりのビリーのフラストレーションは、結果として彼に活動の拠点をロサンゼルスから故郷ニューヨークへと移す決意をさせる。
本作における音楽的な実験と、商業主義への反発というエネルギーがあったからこそ、次作『ターンスタイル（ニューヨーク物語）』以降の「ニューヨーク時代」の黄金期が幕を開けることとなった。
『ストリートライフ・セレナーデ』は、偉大な天才がスーパースターへと脱皮する直前の、最も瑞々しく、最も尖っていた瞬間を閉じ込めた名盤だと思う。
ビリー・ジョエルのメジャーデビュー作『コールド・スプリング・ハーバー』（1971年）は、録音時のマスタリングミスによってピッチが上がってしまうという致命的なトラブルに見舞われた。セールスは惨敗し、ツアーも途中で打ち切り。失意のビリーはロサンゼルスへと移り、偽名を使ってピアノバーで弾き語りをして糊口を凌ぐ日々を送ることとなる。
しかし、彼の天才的なメロディセンスを世界が放っておくはずはなかった。 ブレイクのきっかけは、フィラデルフィアのローカルWMMR-FM局だった。ビリーがライブで披露していた楽曲「キャプテン・ジャック（Captain Jack）」の録音テープが同局でヘビーローテーションされるようになり、早耳のリスナーの間で大きな話題を呼んだのである。
これが呼び水となり、名門コロンビア・レコードとの契約を勝ち取ったビリーは、1973年に再デビュー作となるアルバム『ピアノ・マン（Piano Man）』をリリース。ポップ史に輝く快進撃がここから始まることとなる。
本作がリリースされた1973年当時は、キャロル・キングやジェームス・テイラーに代表されるシンガー・ソングライター（SSW）ブームの全盛期であった。それまでの華やかなロックバンドの時代から、個人の内省的なメッセージやストーリーをアコースティックなサウンドに乗せて歌うスタイルへと、リスナーの関心が移っていた時代である。
また、英国ではエルトン・ジョンがピアノをメインに据えたロックで世界を席巻していた。ビリー・ジョエルによる『ピアノ・マン』は、こうしたアメリカの叙情的なSSWサウンドと、キャッチーなピアノ・ポップ／ロックのダイナミズムが完璧に融合した、まさに時代の申し子と言えるサウンドに仕上がっている。
アルバムのクオリティを底上げしているのが、バックを固める一流のミュージシャンたちである。 特に、後にフュージョン界の大御所ギタリストとなるラリー・カールトンが参加している点は見逃せない。彼の繊細かつ巧みなギターワークは、ビリーの奏でる美しいピアノの旋律と見事な化学反応を起こし、アルバム全体に洗練された都会的なニュアンスを与えている。
アルバムの顔であり、ビリーの代名詞となった「ピアノ・マン」は、彼がLAのピアノバー「エグゼクティブ・ルーム」で雇われピアニストをしていた実体験をベースに書かれた。 3拍子のワルツに乗せて、バーに集う孤独な人々（風変わりな常連客や、夢破れたバーテンダーなど）の人間模様を、冷めた、しかし温かい眼差しで描き出している。ハーモニカとピアノのイントロが印象的なこの曲は、ビルボード誌でトップ30入りを果たし、彼にとって最初の世界的ヒット曲となった。
再デビューの足がかりとなった大作「キャプテン・ジャック」は、当時の若者の退屈とドラッグへの依存をリアルに描いたプロテスト・ソング的な側面を持つ。この曲は、リリースから四半世紀以上を経た2000年、思わぬ形でアメリカの政治論争に巻き込まれることとなる。
上院議員選挙に出馬していたヒラリー・クリントンのスピーチ会場で、本来流すはずだった「ニューヨークの想い（New York State of Mind）」ではなく、誤ってこの「キャプテン・ジャック」が流れてしまったのだ。 対立候補側はすかさず、歌詞中にある「今夜キャプテン・ジャックとハイになろう」という一節を切り取り、「ドラッグを肯定している」とヒラリー陣営を猛烈に批判した。
しかし、この楽曲の本質はドラッグの賛美ではない。むしろ、ドラッグに頼らざるを得ないような、閉塞感に満ちたクソッタレな現実を作り上げている社会（そして政治）への皮肉であり、「こんな生活からはおさらばしよう」という強いメッセージが込められている。政治的「切り取り案件」として消費されてしまったのは皮肉な話だが、それほどまでにこの楽曲の持つリアルな描写力が、時代を超えて強烈なインパクトを持ち続けていた証左とも言えるだろう。
「ピアノ・マン」や「ストレンジャー」など、数々の世界的大ヒット曲を世に送り出してきたビリー・ジョエル。彼の輝かしいキャリアの出発点でありながら、同時に数奇な運命を辿ったデビューアルバムがある。それが1971年に発表された『コールド・スプリング・ハーバー（Cold Spring Harbor / 邦題：コールド・スプリング・ハーバー〜ピアノの詩人）』だ。
本作は、後にトップスターとなるビリーの瑞々しい才気が横溢している名盤であり、同時に多くのリスナーの青春の記憶と深く結びついている。その音楽的特徴や時代背景、そして1983年の「再発盤」に隠されたエピソードを紐解いていく。
1970年代初頭のポピュラー音楽界は、激動の時代を迎えていた。1960年代を席巻したバンド・ブーム（ビートルズの解散など）がひと段落し、リスナーはより内省的で、個人の心情を深く歌い上げる音楽を求め始めていた。
こうした背景から台頭したのが、シンガーソングライター（SSW）・ブームである。
キャロル・キング『つづれおり（Tapestry）』（1971年）の衝撃的なリリース、エルトン・ジョンの台頭、ジェームス・テイラーやジョニ・ミッチェルのアコースティックなアプローチなどがこれを牽引した。
彼らがヒットチャートを賑わせる中、ニューヨーク出身の若きピアノ弾き、ビリー・ジョエルもまた、自らの言葉とメロディで勝負すべくソロデビューを果たした。それが本作『コールド・スプリング・ハーバー』である。
本作の最大の魅力は、後年の洗練されたポップ・センスの「原石」が随所に散りばめられている点にある。
全編を通して耳を引くのは、クラシック音楽（特にショパンやベートーヴェン）の影響を感じさせる叙情的なピアノの旋律だ。ギター中心のフォーク・ロックが主流だったSSWシーンにおいて、ビリーのピアノを中心としたアンサンブルは独自の存在感を放っていた。
アルバムの幕を開ける『シーズ・ゴット・ア・ウェイ（She's Got a Way）』は、ビリーの全キャリアを通じても屈指のラヴ・ソングである。無駄な装飾を削ぎ落としたピアノの弾き語りスタイルは、彼のメロディメーカーとしての天才的な素質を証明している。シンプルだからこそ、聴き手の心にダイレクトに響くエバーグリーンな名曲だ。
しかし、このアルバムのオリジナル盤（1971年リリース）は、ビリー本人にとって不本意な形で世に出ることになってしまった。マスタリングの過程で重大なミスが発生し、テープの回転数が上がった状態（ピッチが半音ほど高い状態）でレコードがカッティングされてしまったのである。
その結果、ビリーの歌声は本来よりも甲高く、不自然なものになってしまった。この致命的なトラブルや所属レーベルとの契約問題も重なり、アルバムは商業的に失敗。ビリーは一時、ロサンゼルスへ移住してバー・ピアニストとして生計を立てる苦難の時期を過ごすことになる（この経験が名曲『ピアノ・マン』へと繋がる）。
この不遇のデビュー盤に光が当たったのは、1981年のこと。ライブ・アルバム『ソングズ・イン・ジ・アティック』からシングルカットされた、ライブ版『シーズ・ゴット・ア・ウェイ』が全米23位のスマッシュヒットを記録。これを受ける形で、1983年にコロンビア・レコードから修正盤が再発売された。
1983年盤では、以下のような大幅な改変が施されている。
オリジナル盤の歪みを取り除き、ビリー・ジョエルが「本来あるべき姿」で世に出したこの1983年盤こそが、実質的な彼のデビュー盤として今日まで愛され続けている。今回聴いているのもその再発盤である。
『コールド・スプリング・ハーバー』は、単なる歴史的な資料にとどまらない。聴く者それぞれの個人的な記憶や、人生のターニングポイントに深くコミットする普遍的な力を持っている。
自分の話をすれば、1980年代半ば、親元を離れて予備校に通う孤独な日々のなか、母親から手渡されたミュージックテープでこのアルバムを繰り返し聴いていた。
故郷のぬくもりや家族の愛情から一歩踏み出し、少しずつ大人になっていく不安定な時期。毎夜のようにスピーカーやヘッドホンから流れるビリーの瑞々しくもどこか切ない歌声にどれほど慰めたられたことだろう。
収録されたすべての曲が、時を経ても色褪せることなく聴き手の心に染み付き、人生のBGMとして鳴り続ける。それこそが、本作が名盤と呼ばれる所以だと、一ファンとして思う。
そのオリジナルを収録したアルバムこそが、アメリカのシンガーソングライター、バーティー・ヒギンズ（Bertie Higgins）のデビュー作『Just Another Day in Paradise（邦題：カサブランカ）』である。
日本では「哀愁の歌謡ポップス」のイメージが強い本作だが、本国アメリカの評価や音楽的系譜を紐解くと、当時の音楽シーンを象徴する「AOR」「ヨットロック（Yacht Rock）」の傑作としての異なる素顔が見えてくる。本稿では、このアルバムの多角的な魅力と、ヒギンズというアーティストの音楽性に迫る。
日本においてアルバムタイトルにもなった『Casablanca（カサブランカ）』は、本国アメリカではシングルカットされておらず、実はシングルとしてのヒットには至っていない。しかし、アルバム自体は全米ビルボード200で38位を記録し、確固たる成功を収めた。その原動力となったのが、先行シングル『Key Largo（キー・ラーゴ〜遙かなる青い海）』である。
『Key Largo』は、全米シングルチャート（Billboard Hot 100）で最高8位、アダルト・コンテンポラリー・チャートでは第1位を獲得する大ヒットを記録した。
『Key Largo』も『Casablanca』も、ハンフリー・ボガート（ボギー）とローレン・バコールが主演した往年の名作映画（『キー・ラーゴ（1948）』『カサブランカ（1942）』）を直接的なモチーフにしている。ヒギンズの書く歌詞は、単なる恋愛模様ではなく「深夜テレビの古い映画を寄り添って観たあの冬」といった、ノスタルジーとシネマティックな情景描写が特徴である。この「古き良きアメリカへの憧憬」が、当時の米成人の心に深く突き刺さった。
本作は、爽快な海岸線を連想させる「ヨットロック」や、都会的で洗練された「AOR」の文脈で語られることが多い。アルバム冒頭を飾るタイトル曲『Just Another Day in Paradise』の鳥のさえずりや波の音、軽快なピアノアレンジは、まさにその象徴と言える。
しかし、アルバム全体を聴き込むと、単なる「お洒落なリゾート・ミュージック」に留まらない、男臭くアーシーなロックのダイナミズムが存在することに気づかされる。
ジミー・バフェットに代表される「トロピカル・ロック」の流れを汲みつつも、アルバム後半に収録された『White Line Fever』では当時のコカイン密輸といったダークな時代の影（初期のグレン・フライを彷彿とさせる世界観）を描き、『Down at the Blue Moon』では荒々しい酒場での喧嘩を泥臭く歌い上げている。
本作はジョージア州やアトランタのスタジオで録音されており、美しいストリングスを配したAORマナーを守りながらも、南部の土着的なポップ・ロックの力強さが絶妙なバランスで同居している。
日本において本盤がオリコンの洋楽チャートで1982年間売上2位を記録するほどの社会現象となった背景には、完璧に地ならしされた「ボギー（ハンフリー・ボガート）ブーム」があった。
1979年、沢田研二が『カサブランカ・ダンディ』で「ボギー、あんたの時代はよかった」と歌い、大衆にそのアイコンを再認識させていた。そこへ、本国からラフテスト盤を聴いてヒットを確信した日本のプロデューサー陣が、ラジオ企画を通じて訳詞と歌い手を募集し、郷ひろみのカバーへと繋げた。
バーティー・ヒギンズが紡いだ哀愁を帯びたマイナーコードのメロディは、アメリカの乾いたトロピカル・サウンドでありながら、日本人の琴線（歌謡曲的メンタリティ）に驚くほど合致していたのである。
『Just Another Day in Paradise』で一躍スターダムにのし上がったヒギンズだが、その後のキャリアも一貫して「旅」と「映画」、そして「ロマンティシズム」を追い求め続けた。
1983年のセカンドアルバム『Pirates and Poets』では、さらにジミー・バフェット的な「カリブ海の海賊」の世界観へと傾倒。その後もコンスタントにリリースを続け、2000年代以降も『Trop Rock』（トロピカル・ロックの意）と呼ばれるジャンルのパイオニアの一人として、現在に至るまで根強い支持を集めている。
彼は一発屋（ワン・ヒット・ワンダー）と評されることもあるが、その本質は「日常から離れた楽園の物語」を生涯歌い続ける、極めてコンセプチュアルなストーリーテラーなのである。
バーティー・ヒギンズの『カサブランカ』は、80年代初頭というポップ・ミュージックの黄金期が生んだ、奇跡的なマイルストーンである。
J-POP／歌謡曲の歴史的ルーツとして聴くもよし、クリストファー・クロスやパブロ・クルーズらと並ぶヨットロックの名盤として心地よい風に吹かれるもよし。針を落とした瞬間に、部屋の空気を南国のプライベート・ビーチへと変えてしまうこのアルバムの魔力は、発売から40年以上が経過した今なお、全く色褪せていない。
還暦を過ぎ、いつの間にか貪欲に新しい音楽を探すことはなくなった。 それでも、日々を生きていれば音楽に頼りたくなることはあるものだ。そんなとき聴きたくなるのは、アーティストたちの人生が垣間見える＜アンソロジー＞で、いくつか愛聴盤がある。 誰かの心無い言葉や、諍いに心に澱が募るよう...
