【名盤レコード】マイケル・マクドナルド『ノー・ルッキン・バック』解説｜ドゥービーを離れソロとして新境地を開拓した1985年の隠れた傑作

マイケル・マクドナルドの歩みと『ノー・ルッキン・バック』の位相

1970年代後半から1980年代初頭にかけて、ザ・ドゥービー・ブラザーズ（The Doobie Brothers）のフロントマンとして「ホワット・ア・フール・ビリーヴス」などの大ヒットを飛ばし、バンドをグラミー賞受賞へと導いたマイケル・マクドナルド。彼の唯一無二のハスキーなスモーキー・ボイスと、洗練されたR&Bのエッセンスを注入したAORサウンドは、当時の音楽シーンに多大な影響を与えた。

1982年のドゥービー・ブラザーズ解散（当時）後、初のソロ・アルバム『思慕（If That's What It Takes）』をリリースし大成功を収めた彼が、満を持して1985年に発表したソロ第2作が本作『ノー・ルッキン・バック（No Lookin' Back）』である。

前作の地続きにある王道AOR路線を期待するファンの予想を裏切り、本作では当時最先端のデジタル・シンセサイザーやドラムマシーンを大胆に導入した。前年の1984年にドゥービー時代の盟友たちが残した傑作群から、1980年代中頃のハイテクなポップ・サウンドへと完全にシフトチェンジを図った、彼のキャリアにおける極めて重要な転換点となる作品である。

ノー・ルッキン・バック

アルバム『ノー・ルッキン・バック』の音楽的特徴

本作が1980年代のポップ・ミュージック史において独自の輝きを放つ理由は、主に以下の3点に集約される。

デジタル・テクノロジーとブルー・アイド・ソウルの融合

本作の最大の特徴は、シンセサイザー（Yamaha DX7など）やシーケンサーを駆使したエレクトロニックなサウンド・メイキングである。一見すると冷徹になりがちなデジタル・ビートの上に、マイケル・マクドナルドの圧倒的にエモーショナルで温かみのあるソウルフルなボーカルが乗ることで、これまでにない先鋭的なブルー・アイド・ソウルが完成した。

豪華なLAミュージシャンによる緻密なアレンジ

共同プロデューサーにテッド・テンプルマンを迎え、LAのファーストコール・ミュージシャンが多数参加している。シンセサイザーのプログラミングにはジェフ・ポーカロ（TOTO）やマイク・ベアードらがタイトなドラムで生音の躍動感を加え、ネイザン・イーストのベースがボトムを支えることで、デジタルに傾倒しすぎない極上のグルーヴをキープしている。

時代を反映したソングライティングの進化

ケニー・ロギンスや、後に妻となるエイミー・ホランドとの共作など、メロディのキャッチーさにさらに磨きがかかっている。ドゥービー時代のエレピ主導の楽曲構造から、シンセ・リフを軸としたエッジの効いたポップ・ソングへとソングライティング自体が大きく進化を遂げた。

主要楽曲考察

1. ノー・ルッキン・バック（No Lookin' Back）

アルバムのタイトル・トラックであり、先行シングルとしてリリースされた楽曲である。イントロから鳴り響く強烈なシンセサイザーのリフと、ドライヴ感溢れるエレクトリックなビートが聴き手を圧倒する。過去を振り返らずに前を向いて進むという決意を描いた歌詞は、まさにドゥービーの影を振り払い、ソロ・アーティストとして新時代を生きるマイケル自身のマニフェストのようにも聴こえる。彼のパワフルなボーカルが最も映える、1980年代中期ポップスの最高峰である。

2. バッド・タイムス（Bad Times）

シンセのファンキーなリフが楽曲を牽引する、アルバム中最もダンサブルでアグレッシブなナンバーである。R&Bやファンクへの深いリスペクトを感じさせつつも、最新のデジタル・ガジェットでコーティングされた緻密なアレンジが光る。歌メロの間を泳ぐギターのオブリガートもスリリングで、マイケルの黒っぽいグルーヴ・センスが爆発した隠れた名曲である。

3. ロスト・イン・ザ・パレード（Lost In The Parade）

アルバムの終盤に位置する、ドラマチックな展開が印象的なミディアム・バラードである。都会の喧騒や孤独感、人間関係の虚無さを描いたシリアスな歌詞の世界観が、哀愁を帯びたメロディラインと見事にシンクロしている。デジタルな質感の中にも、マイケルの歌声が持つ「人間味」や「深いソウル」が濃密に描き出されており、彼が単なるトレンドの追随者ではなく、不世出の表現者であることを証明している。

【名盤解説】ブライアン・アダムス『Reckless』が80年代ロックの頂点に君臨する理由｜名エンジニアが仕掛けたサウンドの魔法

 世界を席巻した若きロックンローラー、ブライアン・アダムス

1980年代の音楽シーンを語る上で、カナダ出身のシンガーソングライター、ブライアン・アダムス（Bryan Adams）の存在を外すことはできない。ハスキーでエモーショナルな歌声と、無駄を削ぎ落としたストレートなロック・サウンドで世界的な人気を博したアーティストである。

その彼のキャリアにおいて、最大の商業的成功を収め、同時に1000万枚以上のセールスを記録したモンスター・アルバムが、1984年にリリースされた4枚目のスタジオ・アルバム『Reckless（レックレス）』だ。本作はなぜ、これほどまでに人々の心を掴み、今なお色褪せない魅力を放ち続けているのだろうか。その音楽的特徴と、舞台裏に隠された興味深いエピソードを紐解いていく。

レックレス - ブライアン・アダムス

音楽的特徴：ボブ・クリアマウンテンがもたらした「時代の音」

『Reckless』の最大の武器は、徹底的に磨き上げられた「抜けの良いサウンド」にある。この伝説的な音響空間を作り上げたのが、名ミキシング・エンジニアのボブ・クリアマウンテンである。

特に本作におけるドラムスのミックスは秀逸だ。ストレートでパワフルでありながら、決して平坦にならず、奥行きのある立体的な音響を実現している。このクオリティの高さは日本の音楽シーンにも影響を与えており、当時ニューヨークへ拠点を移していた甲斐バンドがボブ・クリアマウンテンを起用した際、ドラムの松藤英男が「俺のドラムがロキシー・ミュージックになった！」と驚喜したという逸話が残っているほどだ。

さらにボブ・クリアマウンテンは音作りだけでなく、人材の面でも本作に貢献した。ホール＆オーツの『Private Eyes』の録音やツアーで活躍していた実力派ドラマー、ミッキー・カーリーをブライアンに紹介し、アルバムの強固なグルーヴの土台を築き上げたのである。

主要楽曲の分析：名曲に隠された作家性とデュエットの妙

1. 「Run To You（ラン・トゥ・ユー）」

アルバムを代表する先行シングルであり、エッジの効いたギターリフと哀愁を帯びたメロディが絡み合う、80年代ロックの象徴的なナンバーである。

実はこの楽曲、もともとはブルー・オイスター・カルトのヒット曲「(Don't Fear) The Reaper（死神）」にインスパイアされ、彼らに提供するために書かれたものだった。結果的にブライアン自身が歌うことになったが、彼の卓越したメロディメーカーとしての「作家的一面」や、楽曲提供者としての引き出しの多さを物語るエピソードである。

2. 「It's Only Love（イッツ・オンリー・ラヴ）」

ロックの女王、ティナ・ターナーとの圧倒的なデュエット曲である。互いのハスキーでソウルフルなボーカルが激しくぶつかり合うこの曲は、まさに当時の熱いロック・スピリットを象徴している。ブライアンのストレートなロック・スタイルと、ティナの圧倒的な声量が融合した、80年代を代表するコラボレーションの傑作である。

3. 「Heaven（ヘヴン）」「Summer of '69」

本作には他にも、全米1位を獲得した至高のバラード「Heaven」や、青春のノスタルジーを疾走感あふれるビートに乗せた「Summer of '69」など、捨て曲が一切ない完璧なラインナップが揃っている。シンプルでありながら計算し尽くされた楽曲構成こそが、本作をタイムレスな名盤たらしめている要因である。

結論：色褪せないストレート・ロックの教科書

ブライアン・アダムスの天性のボーカルと楽曲センス、そしてボブ・クリアマウンテンによる魔法のようなミキシング。これらが完璧なシナジーを生み出した結果、このアルバム『Reckless』は奇跡の一作となったのだろう。

現代の耳で聴いても生々しいダイナミズムを感じられる本作は、まさにロック・ミュージックの教科書として、これからも聴き継がれるべき傑作だと思う。

ミック・ジャガーも魅了された名盤｜カーリー・サイモン『ノー・シークレッツ』の奔放な音楽世界と豪華セッションの裏側

 1970年代のシンガーソングライター・ブームの中で、ひときわ眩い知性と奔放な魅力を放った女性アーティストがカーリー・サイモンである。名門サイモン&シュスターの創業者一族という裕福な家庭に育ちながらも、彼女の紡ぐ言葉とメロディは常に人間らしく、生々しい感情に満ちていた。同じ時代を駆けたキャロル・キングが、緻密に計算された親しみやすいサウンドで聴き手を包み込んだのに対し、カーリーの音楽はより大胆で自由、そしてドラマチックである。

そんな彼女のキャリアにおいて、最大の商業的・芸術的成功を収めたのが、1972年にリリースされた3作目のアルバム『ノー・シークレッツ』である。当時、時代の寵児であったジェイムス・テイラーとの結婚直後という私生活の充実ぶりも反映された本作は、全米アルバムチャートで5週連続1位を記録する大ヒットとなった。

No Secrets

カーリー・サイモン最大のヒット作『ノー・シークレッツ』の魅力

本作の最大の魅力は、名プロデューサーのリチャード・ペリーが手掛けた、極めて贅沢で濃密なサウンドプロダクションにある。

アルバム全体を貫くのは、「フォーク・ロック」の枠に収まらない、超一流のミュージシャンたちが火花を散らすセッションの熱量である。

名曲「うつろな愛（You're So Vain）」とミック・ジャガーの隠された共演

とりわけ、世界的な大ヒットを記録した代表曲「うつろな愛（You're So Vain）」は、ロック史に残るエピソードを秘めている。この曲のコーラスには、当時ローリング・ストーンズのミック・ジャガーがノークレジットで参加している。一聴して彼とわかる圧倒的な存在感のボーカルは、当時の音楽シーンの濃密な繋がりを物語る。

さらに、クラウス・フォアマンのうねるようなベースと、ジム・ゴードンのタイトなドラムスによるリズムセクションが、この楽曲の持つ皮肉めいた気品を完璧に支えている。クラウス・フォアマンの起用は、彼と親交の深かったハリー・ニルソンの作品をリチャード・ペリーがプロデュースしていた縁によるものと考えられる。

隠れた名曲「待ちすぎて」を彩る豪華ミュージシャンのグルーヴ

また、アルバムの隠れた名曲として評価の高い「待ちすぎて（The Right Thing to Do）」におけるセッションも凄まじい。

ドラムにジム・ケルトナー、ピアノにニッキー・ホプキンス、そしてギターにはスライドの名手ローウェル・ジョージを迎えている。

わずか4分強の楽曲でありながら、名匠たちが紡ぎ出す濃密なグルーヴは、聴き終わった後に一本の映画を観終えたかのような深い余韻を残す。

総評：70年代西海岸ロックの黄金期を象徴する不朽の名盤

キャロル・キングの丁寧な職人技とは対照的に、自身の私生活や感情を隠すことなく（＝No Secrets）曝け出し、一流の男たちを従えて奔放に表現してみせたカーリー・サイモン。本作は、彼女の凛とした佇まいと、70年代西海岸ロックの黄金期が最高の形で結晶化した、ポップス史に燦然と輝く不朽の名盤である。

【隠れた名盤】キャロル・キング『Fantasy』が魅せるニューソウルへの挑戦とデヴィッド・T・ウォーカーの煌めき

 偉大なソングライター、キャロル・キングの軌跡

キャロル・キングは、1960年代に夫のジェリー・ゴフィンとともに「ロコ・モーション」や「ナチュラル・ウーマン」など数々のヒット曲を量産した、ポップス界屈指の天才ソングライターである。1970年代に入るとシンガーソングライターとして独立し、1971年のアルバム『Tapestry（つづれおり）』でグラミー賞4部門を受賞、世界的な大ヒットを記録した。

彼女の音楽は、親しみやすいメロディと、ピアノの弾き語りを中心とした素朴で温かみのあるサウンドが特徴である。しかし、その成功に甘んじることなく、新たな音楽性を模索して生み出されたのが、通算5作目のアルバム『Fantasy』であった。

ファンタジー

アルバム『Fantasy』の音楽的特徴：ニューソウルへのアプローチ

1973年にリリースされた『Fantasy』は、当時アメリカの音楽シーンを席巻していたマーヴィン・ゲイやスティーヴィー・ワンダーらに通じる「ニューソウル」やファンクのエッセンスを大胆に取り入れた意欲作である。

本作の最大のプロットは、アルバム全体がひとつの物語のようにつながる「コンセプトアルバム」の形式をとっている点にある。従来の瑞々しいフォーク・ロック路線から一歩踏み出し、ホーンセクションや強固なリズム隊を導入した、グルーヴィーで都会的なサウンドを展開している。

主要楽曲の分析と名ギタリストの共演

『Fantasy Beginning』と『Fantasy End』

アルバムは『Fantasy Beginning』で幕を開け、『Fantasy End』で幕を閉じる。この冒頭と結びの楽曲がアルバム全体の輪郭を形作っている。特にオープニングの『Fantasy Beginning』は、キャロル・キングの原点ともいえるピアノの弾き語りから始まり、聴き手を一気に彼女の「幻想（ファンタジー）」の世界へと引き込んでいく。

『道（You've Been Around Too Long）』とデヴィッド・T・ウォーカーの魔法

弾き語りの導入部に続いて tour de force（力作）として流れるのが、ニューソウル色の強い『道（You've Been Around Too Long）』である。

この楽曲の聴きどころは、イントロから炸裂する名セッションギタリスト、デヴィッド・T・ウォーカーのプレイにある。彼のトレードマークである、まるで星屑が煌めくような繊細でエモーショナルなオブリガートは、楽曲に圧倒的な華やかさと深みを与えている。

ODE RECORDSから復刻されたデヴィッド・T・ウォーカーの作品を追いかけていた僕は、この共演をきっかけにキャロル・キングの音楽的な懐の深さを「再発見」したのだった。

プレス・オン(紙ジャケット仕様)

総評：『Tapestry』の先にある「再発見」されるべき傑作

『Tapestry』が彼女のパーソナルな内面を紡いだ作品であるならば、『Fantasy』は外部の優れたミュージシャンたちの才能を吸収し、自らの音楽性を拡張した作品と言える。

デヴィッド・T・ウォーカーをはじめとする一流のプレイヤーたちが彩るサウンドは、今聴いても全く色褪せることがない。

カーペンターズ最高峰の音響美｜アルバム『HORIZON（緑の地平線）』の隠れた傑作性と楽曲の魅力を徹底解剖

 1970年代のポップス・シーンを席巻し、今なお世界中で愛され続ける兄妹デュオ、カーペンターズ。彼らの黄金期を象徴する大ヒットアルバム『Now & Then』に続き、1975年に満を持してリリースされた通算6枚目のオリジナル・アルバムが『HORIZON（緑の地平線）』である。

本作は一見、これまでの成功を踏襲したポップ・アルバムに思えるが、実はリチャード・カーペンターの天才的なアレンジ能力と、カレン・カーペンターの唯一無二の歌声が極限まで磨き上げられた、彼らのキャリア屈指の音楽的到達点である。本記事では、この名盤に隠されたエピソードや音楽的特徴、そして主要楽曲の魅力を深く掘り下げていく。

緑の地平線~ホライゾン - カーペンターズ

世界を魅了した至高のデュオ、カーペンターズ

カーペンターズは、巧みな編曲と美しいコーラスワークを支える兄のリチャードと、低音から高音まで圧倒的な表現力を持つボーカル（そして優れたドラマーでもある）妹のカレンからなるデュオである。

彼らの音楽は「ソフト・ロック」や「イージー・リスニング」と評されることが多いが、その本質は極めて緻密に構築された「完璧なポップ・ミュージック」にある。特にリチャードが生み出す重厚なマルチ・トラック・コーラス（通称：オーバーダビングによる“カーペンターズ・サウンド”）は、当時の最先端技術と彼の音楽的教養が融合した芸術品であった。

アルバム『HORIZON』の音楽的特徴

前作『Now & Then』が過去のポップスへのオマージュやノスタルジーを前面に押し出した構成だったのに対し、本作『HORIZON』はより成熟した、洗練されたスタジオ・ワークが特徴である。

レコーディングには当時の最新鋭の24トラック・レコーダーが導入され、音響的な密度とクリアさが飛躍的に向上した。リチャードはこの贅沢な音響空間を巧みに使いこなし、カレンのボーカルの繊細な息遣いをこれまでにないほど生々しく捉えることに成功している。哀愁を帯びたメロディ、完璧にコントロールされたストリングス、そしてドラマチックな楽曲配置など、アルバム全体がひとつの壮大なポップ・シンフォニーとして完成されている。

主要楽曲の徹底分析

1. オンリー・イエスタデイ（Only Yesterday）

リチャード・カーペンターと、彼の大学時代からの親友であり不朽の名コンビである作詞家ジョン・ベティスが手掛けた、これぞ「王道」といえるカーペンターズ・ナンバーである。

躍動感のあるアップテンポなビートに乗せて、過去の孤独から抜け出し未来へと歩み出すダイナミックな感情の機微が描かれている。カレンの瑞々しいボーカルと、幾重にも重ねられた爽快なコーラスワークが見事なコントラストを描く、アルバムのハイライトとなる楽曲である。

2. プリーズ・ミスター・ポストマン（Please Mr. Postman）

マーヴェレッツのオリジナルであり、かつてビートルズもカバーしたことで知られるモータウンの名曲を、カーペンターズ流の極上ポップスへと昇華させたトラックである。

1950〜60年代のオールド・ポップスへのリスペクトを払いつつも、現代的でモダンなアレンジが施され、結果として全米1位を獲得する大ヒットを記録した。カレンの弾けるような歌声と、親しみやすいハンドクラップが心地よい。

3. 愛は虹の色（Desperado）

イーグルス（Eagles）の言わずと知れた名バラードのカバーである。

原曲が持つ荒涼としたアメリカン・ロックの泥臭さを、リチャードの手によって極めて洗練された、美しいコンテンポラリー・ポップスへと見事に変身させている。カレンが歌うことで、孤独な放浪者への深い慈愛に満ちたバラードとなり、彼らのカバー・センスの高さを見せつける一曲となった。

4. アイ・キャン・ドリーム（I Can Dream, Can't I?）

本作において最も異彩を放ち、アルバムの音楽的深みを引き上げているのがこの楽曲である。

フランク・シナトラやナット・キング・コールなど、アメリカ音楽界の巨匠たちを支えたジャズ界のレジェンド・アレンジャー、ビリー・メイを招聘して制作された。

古き良きスタンダード・ジャズの薫りが漂うビッグバンド調のアレンジと、カレンの物憂げで甘美なボーカルが見事に融合し、カーペンターズの新たな一面を切り拓いた隠れた名曲である。

色褪せない「緑の地平線」

『HORIZON（緑の地平線）』は、リチャードの緻密なスタジオワークと、カレンの天才的な歌声が奇跡的なバランスで結実した、1970年代ポップスの名盤である。

イーグルスのカバーからジャズ・スタンダードまでを一枚に収めながらも、すべてを「カーペンターズの世界」として見事に統一してみせる。

グラミー賞5部門制覇の金字塔！クリストファー・クロス『南から来た男』がAOR最高峰と呼ばれる理由

1970年代末から1980年代初頭にかけて、音楽シーンを席巻した「AOR（Adult Contemporary / Album-Oriented Rock）」。その頂点に君臨し、今なお色褪せない輝きを放ち続ける名盤が存在する。それが、クリストファー・クロス（Christopher Cross）が1979年に発表したデビューアルバム『Christopher Cross（邦題：南から来た男）』である。

類まれなハイトーンボイスと極上のメロディ、そして豪華極まる参加ミュージシャンたち。新人アーティストのデビュー作としては異例のクオリティを誇る本作は、音楽史にその名を深く刻み込んだ。

今回は、この不朽の名盤の背景にあるアーティストの素顔、アルバムの音楽的特徴、そして主要楽曲の魅力を深く掘り下げていく。

南から来た男 - クリストファー・クロス

天才シンガーソングライター、クリストファー・クロスとは

クリストファー・クロスは1951年、米テキサス州サンアントニオに生まれた。地元のバンド活動を経てワーナー・ブラザースと契約し、本作『南から来た男』でメジャーデビューを果たす。

彼の最大の武器は、一度聴いたら忘れられない、天高く突き抜けるような「クリスタル・ボイス」と称されるハイトーンの歌声である。しかし、彼の本質は卓越したソングライティング能力と、確かなギタープレイの技術を兼ね備えた、極めて完成度の高いマルチな音楽家であった。

デビュー当時のビジュアルは、トレードマークである「フラミンゴ」のアルバムジャケットの印象とは裏腹に、非常に素朴で体格の良い人物であったため、そのルックスと美声のギャップも当時大きな話題となった。

本作は、1981年の第23回グラミー賞において、主要4部門（最優秀レコード賞、最優秀アルバム賞、最優秀楽曲賞、最優秀新人賞）を史上初めて独占。さらに最優秀編曲賞を加えた計5部門に輝くという、前人未到の快挙を成し遂げた。

緻密に計算された『南から来た男』の音楽的特徴

本作の音楽性を一言で表すならば、「洗練の極み」である。名プロデューサーであるマイケル・オマーティアンの手腕により、西海岸のトップミュージシャンが招集され、一音の無駄もない極上のアンサンブルが構築された。

1. 豪華すぎるゲスト陣による奇跡の競演

本作の最大の肝であり、リスナーを虜にする要素が、バックを固めるゲストたちの圧倒的な存在感である。ニコレット・ラーソンのキュートなボーカル、ヴァレリー・カーターの瑞々しい歌声、そして何よりもAOR界の重鎮であるマイケル・マクドナルドの重厚なバックグラウンドボーカルが、クリストファーの美声と完璧なコントラストを描いている。

2. 西海岸流の洗練されたグルーヴとサウンド

名手ラリー・カールトンを筆頭とするギタリスト陣や、凄腕のセッションミュージシャンたちが紡ぎ出すサウンドは、フュージョンやジャズの要素を巧みにポップスへと落とし込んでいる。滑らかでありながらも、時にパーカッシブでエッジの効いた演奏が、アルバム全体に心地よい緊張感と極上のリゾート感を与えている。

アルバムを彩る主要楽曲の徹底分析

アルバムはA面からB面のラストに至るまで、一切の隙がない名曲のオンパレードである。ここでは、特に音楽的評価の高い重要楽曲を分析する。

「セイリング（Sailing）」

クリストファー・クロスの代名詞であり、グラミー賞の最優秀レコード・最優秀楽曲を勝ち取ったAOR屈指の名曲。

ストリングスが美しく波打つようなイントロから、聴き手を一瞬にして穏やかな海へと誘う。クリストファーの透明感溢れるボーカルが最も活かされており、都会的な洗練とノスタルジーが同居した、時代を超えるエバーグリーンなバラードである。

「ライド・ライク・ザ・ウィンド（Ride Like the Wind / 邦題：風立ちぬ）」

B面のオープニングを飾る、彼のデビューシングル。ギタリストのローウェル・ジョージに捧げられたこの曲は、疾走感溢れるスリリングなテンポが特徴である。

ここで強烈なスパイスとなっているのが、マイケル・マクドナルドの熱い歌唱だ。バックグラウンドボーカルの域を超え、主役に迫るほどの熱量で楽曲を牽引している。そして、その熱さに呼応するかのような情熱的なギターソロは、なんとクリストファー・クロス本人のプレイ。彼のギタリストとしての卓越した実力を証明する名演である。

「ネバー・ビー・ザ・セイム（Never Be the Same / 邦題：愛はまぼろし）」

マイケル・マクドナルドの渋い低音ボイスが痺れるような効果をもたらしている、メロウなミディアムチューン。切ないメロディラインと洗練されたコード進行が心地よく、クリストファーのソングライティングの引き出しの多さを実感させる。

「スピニング（Spinning）」

ヴァレリー・カーターとのデュエットが光る一曲。二人の声が重なり合い、溶け合っていく様はまさに至福。アルバムのなかでも特にドリーミーで、穏やかな光を感じさせるアレンジが施されている。

「ライト・イズ・オン（The Light Is On）」

フュージョン・ギタリストの最高峰であるラリー・カールトンが参加し、渾身のギターソロを披露している楽曲。都会的で夜の洗練を感じさせるトラックの上で、カールトンのエモーショナルかつ緻密なギターワークが炸裂する。

「ジゴロの芸人（Goin' Back to China）」

アルバムの最終曲を飾るこのポップなナンバーには、なんとあの、若きの日のエリック・ジョンソンがギターソロで参加している。

スムーズな流れから一転してパーカッシブに縦横無尽に変貌するピッキング、唐突に挟み込まれるハーモニクス、そして歪みからクリーンへと虹のように変化していく音色は、まさに別格。アルバムの幕引きを華やかに、そしてスリリングに締めくくっている。

個人的には、ここが一番の聴きどころであった。

時代を超越したマスターピース

クリストファー・クロスの『南から来た男』は、アーティスト本人の確かな才能と、時代のトップクリエイターたちが奇跡的なバランスで融合して生まれた、音楽史の最高到達点の一つである。

爽やかな風を感じたいとき、洗練された都会の夜に浸りたいとき、このアルバムはいつでも極上の空間を提供してくれる。

【名盤再訪】クリストファー・クロス『Another Page』：豪華ゲストと紡ぐAOR屈指の傑作を徹底解剖

 1980年のデビューアルバムでグラミー賞主要4部門を独占するという、音楽史上に残る偉業を成し遂げたクリストファー・クロス。

映画『ミスター・アーサー』の主題歌「ニューヨーク・シティ・セレナーデ（Arthur's Theme (Best That You Can Do)）」の世界的大ヒットを経て、満を持して1983年にリリースされたセカンドアルバムが『Another Page（アナザー・ページ）』である。

Another Page

前作の爆発的な成功による巨大なプレッシャーの中で制作された本作は、デビュー作の爽快な疾走感を引き継ぎつつも、より深化を遂げた極上のバラードやメロウなAORサウンドが凝縮された、時代を象徴する一枚として高く評価されている。

唯一無二のアーティスト：クリストファー・クロス

クリストファー・クロスは、その繊細で透明感あふれるハイトーンボイスで広く知られている。しかし、彼の真の凄みは、単なるシンガーソングライターにとどまらず、非常に卓越したテクニックを持つギタリストであるという点だ。

ルックスと歌声のギャップに驚かされるリスナーも多いが、彼が紡ぎ出す正確無比でエモーショナルなギターソロは、LAの百戦錬磨のスタジオミュージシャンたちからも一目置かれる存在であった。この「極上のボーカル」と「本格的なギタープレイ」の融合こそが、彼の音楽の唯一無二のアイデンティティである。

本作の音楽的特徴と豪華なゲスト陣

『Another Page』の最大の特徴は、当時の西海岸のトップミュージシャンがこぞって参加した、贅沢極まりないプロダクションにある。

特に注目すべきは、前作に引き続き参加したマイケル・マクドナルド（元ドゥービー・ブラザーズ）や、ビーチ・ボーイズのカール・ウィルソンによるコーラスワークだ。それぞれの個性を主張しすぎず、主役であるクリストファーの歌声を最高に引き立てる引き算の美学がここにある。

また、ギターシーンにおける逸話も興味深い。当時、当代随一のギタリストであったラリー・カールトンは、スタジオワークのオファーが舞い込むと、信頼するスティーブ・ルカサー（TOTO）をよく紹介していたという。本作でもルカサーが参加し、見事なプレイで楽曲を支えている。しかし、それに負けじとクリストファー自身が炸裂させるギターソロも、本作の大きな聴きどころとなっている。

主要楽曲の徹底分析

「All Right（オール・ライト）」


アルバムを牽引する大ヒットシングルである。マイケル・マクドナルドの巧みなコーラスワークが光る、軽快で洗練されたアップテンポなナンバーだ。心地よいカッティングとキャッチーなメロディの裏で、緻密に計算されたアンサンブルが展開されている。

「What Am I Supposed to Do（愛に迷って）」


シンガーソングライターのカーラ・ボノフとのデュエット曲である。完璧なピッチで紡がれる二人のコーラスは、非の打ち所がない美しさを見せる。カーラ特有の優しく情感豊かな声色が、楽曲に深い哀愁と温かみを与えている。

「Talking In My Sleep（夢のささやき）」


アート・ガーファンクルがゲスト参加したバラードである。クリストファー・クロスとアート・ガーファンクルという、新旧の「天使の声」を持つ二人が相まみえる歴史的な共演が実現した。静謐な空気感の中で、貫禄すら感じさせるアートの美しい声と、クリストファーの繊細なボーカルが絶妙に溶け合う至高の瞬間を堪能できる。

「Words of Wisdom（英知の言葉）」


スティーブ・ルカサーらの名演が光る中、クリストファー自身のギタリストとしてのアイデンティティが色濃く出た楽曲である。「僕も負けていない」と言わんばかりに炸裂するクリストファーの情感豊かなギターソロは、聴く者の心を揺さぶる感動的な名演となっている。

なお、世界的な大ヒットを記録した「ニューヨーク・シティ・セレナーデ」は、当時のオリジナルLP（アナログ盤）には収録されず、後にリリースされたCD版などにボーナストラックとして追加収録された経緯を持つ。アルバム全体のトーンを崩さないオリジナル構成の美しさと、ベスト盤的な贅沢さを味わえるCD版、どちらも甲乙つけがたい魅力がある。

『Another Page』は、1980年代AOR黄金期の贅を尽くしたサウンドと、クリストファー・クロスのメロディメーカー・ギタリストとしての才能が奇跡的なバランスで結実した、まさに音楽棚から何度でも引っ張り出して聴くべき永遠の名盤である。

AORの寵児が鳴らした渾身のロック｜クリストファー・クロス『Every Turn of the World』再評価の理由

 伝説のデビューから一転、時代の荒波に挑んだ3作目

1980年、セルフタイトルのデビューアルバム『Christopher Cross（南から来た男）』でグラミー賞主要4部門を独占するという史上初の快挙を成し遂げたクリストファー・クロス。透き通るようなハイトーンボイスと、計算し尽くされた洗練されたAOR（アダルト・コンテンポラリー）サウンドは、当時の音楽シーンを席巻した。

しかし、1980年代中期を迎えると、音楽シーンの潮流は急激に変化する。MTVの台頭に伴うニューウェイヴの隆盛や、シンセサイザーを多用したエレクトロ・ポップの台頭により、それまでのアコースティックでオーガニックなAORブームは後退を余儀なくされていく。

このような時代の過渡期である1985年にリリースされたのが、彼の3作目となるスタジオアルバム『Every Turn of the World（ターン・オブ・ザ・ワールド）』である。

Every Turn of the World by Christopher Cross (1985-07-28)

豪華ゲスト主義からの脱却と「TOTO」に迫る本格バンドサウンド

マイケル・オマーティアンをプロデューサーに迎えた本作は、前2作のスタイルから大きな転換を図っている。これまではマイク・マクドナルドやドン・ヘンリーをはじめとする豪華ゲストシンガーを招き、緻密に構築されたスタジオワークが特徴であった。しかし本作では、よりストレートなバンドサウンドによるロックアルバムへと舵を切っている。

特筆すべきは、そのダイナミックなアンサンブルである。前作以上にTOTOのサウンドを彷彿とさせるハードかつソリッドなアレンジが施されており、クリストファー・クロス特有の美しいメロディラインと、骨太なロックグルーヴが絶妙な融合を見せている。

往年の洗練されたバラードを期待したリスナーからは当時、賛否両論が巻き起こり、セールス的にも苦戦を強いられた。しかし、時代の音を貪欲に取り入れつつ、自身のルーツであるロックを表現しようとした彼の挑戦姿勢は、今聴き返しても非常に興味深い。

アルバムを彩る主要楽曲の分析

1. Every Turn of the World

アルバムの幕開けを飾るタイトル曲。従来の彼のイメージを覆すような、エッジの効いたギターカッティングとパワフルなドラムが印象的なロックチューンである。クリストファー・クロスが声を張り上げるような力強いシャウトを披露しており、新たな境地を切り開こうとする強い意志が感じられる。

2. Charm the Snake

シンセサイザーのシーケンスフレーズと、ハードなギターリフが絡み合う1980年代特有のハイエナジーな楽曲。ダンサブルでありながらも、楽曲の土台を支える緻密なコード進行にはAORの気品が残る。彼が得意とする流麗でテクニカルなギターソロも存分にフィーチャーされており、ギタリストとしての実力を再確認できる仕上がりである。

3. Love Is Crying

アルバムのなかで最も従来のAORファンを安堵させる、メロウで切ないミディアムナンバー。デジタルな音色に囲まれながらも、彼の最大の武器である「天使のハイトーンボイス」の美しさが際立つ。激しいロックサウンドとのコントラストによって、この曲の持つ繊細さがより一層際立つ構成となっている。

今こそ聴くべき、隠れた名盤としての価値

本作のあと、4枚目のアルバムを最後にワーナー・ブラザースとの契約が終了するなど、クリストファー・クロスにとって本作はキャリアのターニングポイントとなった。商業的な成功という物差しだけでは測れない、1980年代というエネルギッシュな時代が生んだ「隠れた名盤」と言える。

【名盤レコード】メン・アット・ワーク『ワーク・ソングズ』解説｜80年代ポップに新風を巻き起こし全米1位を独走したデビュー作

メン・アット・ワークの歩みと『ワーク・ソングス』の位相

1970年代末にオーストラリアのメルボルンで結成されたメン・アット・ワーク（Men At Work）は、フロントマンであるコリン・ヘイのハスキーで表現力豊かなボーカルと、鋭利なロック・サウンドを武器に地道なライブ活動を続けていた。彼らが1981年にリリースしたデビュー・アルバム『Business As Usual（邦題：ワーク・ソングズ）』は、本国オーストラリアでの大ヒットを皮切りに、翌1982年にはアメリカやイギリスをはじめとする世界中のチャートを席巻することとなる。

Business As Usual

当時のロック・シーンは、パンク・ロックの終焉を経てニュー・ウェイヴやシンセ・ポップが台頭し始めた過渡期にあった。その中にあって、彼らは独自のポップ・センスと卓越したアンサンブルで、瞬く間に時代の寵児となった。本作は全米アルバム・チャートで15週連続1位という驚異的な記録を打ち立て、バンドは1983年のグラミー賞で最優秀新人賞を獲得。80年代ポップス史における金字塔としての地位を不動のものとした。

アルバム『ワーク・ソングズ』の音楽的特徴

本作がこれほどまでに巨大な成功を収めた背景には、主に以下の3点に集約される音楽的特徴がある。

ニュー・ウェイヴとレゲエ・ビートの先駆的な融合

ポリス（The Police）からの影響を感じさせつつも、よりキャッチーでストレートなアプローチを展開している。裏打ちのレゲエ・カッティング・ギターと、タイトでキレのあるドラムが、楽曲全体に軽快で都会的なグルーヴをもたらしている。

多彩な管楽器・木管楽器による色彩豊かなアレンジ

ギタリストのロン・ストライカートによるソリッドなリフに加え、グレッグ・ハムが操るサックスやフルートが随所で効果的にフィーチャーされている。これが単なるギター・ロックにとどまらない、バンド独自のユニークなポップ・アイデンティティを形成している。

コリン・ヘイの卓越したボーカルと批評精神

ソウルフルでありながらどこか哀愁を帯びたコリン・ヘイの歌声は、一聴して彼らと分かる強烈な個性を放っている。また、一見すると陽気なポップ・ソングの裏側に、現代社会への風刺や労働者の悲哀、核への恐怖といったシリアスなメッセージが内包されている点も魅力である。

主要楽曲考察

1. ノックは夜中に（Who Can It Be Now?）

アルバムのオープニングを飾り、全米シングル・チャートで1位を獲得したバンドの代表曲である。冒頭から鳴り響く印象的なサックスのリフが、聴き手の心を一瞬で掴む。猜疑心や孤独、精神的な追い詰められ方を描いたパラノイア的な歌詞を、跳ねるようなファンキーなビートに乗せて歌うギャップが、ニュー・ウェイヴ期ならではの鋭さを放っている。

2. ダウン・アンダー（Down Under）

「ノックは夜中に」に続いて全米1位を獲得し、バンドを世界的スターへと押し上げた特大ヒット曲である。「ダウン・アンダー」とはオーストラリアを指すスラングであり、母国への愛着と、急速に商業化されていく社会への風刺がユーモラスに綴られている。グレッグ・ハムが奏でるフルートの軽快なメロディと、レゲエ調のリズムが絶妙に融合した、80年代を象徴するポップ・アンセムである。

3. アンダーグラウンド（Underground）

アルバムのラストに配置された、スリリングな展開が光るナンバーである。重厚なベース・ラインと緊張感漂うギター・ワークが、冷戦下の不穏な空気や核戦争への恐怖を想起させる歌詞の世界観と見事にリンクしている。アルバムのポップな側面だけでなく、バンドが持つ確かな演奏力とシリアスな表現力の深さを証明する隠れた名曲である。

ピーター・セテラがもたらした変革｜シカゴ『Chicago X』の音楽的特徴と名曲「愛ある別れ」を徹底解剖

 巨星シカゴ：ブラスロックの先駆者が歩んだ栄光の軌跡

1967年にシカゴで結成された「シカゴ（Chicago）」は、ロックに本格的なホーンセクションを導入し、「ブラスロック」という新たなジャンルを確立した伝説的なバンドである。デビュー当初は政治色の強いメッセージ性と、ジャズやクラシックを融合した高度なアンサンブルで支持を集め、1970年代の音楽シーンを席巻した。

彼らの強みは、強力なブラスセクションの迫力だけでなく、ロバート・ラム、テリー・キャス、そしてピーター・セテラという、個性の異なる複数の優秀なボーカリスト兼ソングライターを擁していた点にある。この多様性が、のちにバンドを単なる「ロックバンド」から「世界的なポップ・アクト」へと進化させる原動力となった。

バンドの運命を変えた10作目の金字塔『シカゴX（カリブの旋風）』

1976年にリリースされた通算10枚目のアルバム『Chicago X（邦題：カリブの旋風）』は、シカゴのキャリアにおいて最大のターニングポイントとなった重要作である。本作のジャケットは、お馴染みのバンドロゴをチョコレートの包装に見立てた美しいデザインで、グラミー賞のベスト・パッケージ賞を受賞したことでも知られている。

シカゴX (カリブの旋風)

本作が音楽史において決定的な意味を持つのは、バンドに「初の全米シングルチャート第1位」という栄冠をもたらしたためである。それまでの硬派なブラスロック路線から、より洗練されたAOR・ポップス路線へのシフトチェンジを印象づけ、1980年代のデヴィッド・フォスタープロデュース時代（『シカゴ16』『シカゴ17』など）へと続く壮大な黄金期の道筋を、まさにこのアルバムが切り拓いたと言える。

『シカゴX』の音楽的特徴と主要楽曲の分析

本作の音楽的特徴は、バンドのアイデンティティである「骨太なブラスロック」と、新境地である「メロウなバラード・ポップス」が絶妙なバランスで同居している点にある。

「Once or Twice（ロックンロール・シカゴ）」

アルバムの幕開けを飾るこの曲は、ファンが求めるシカゴの理想郷そのものである。イントロから炸裂するシャープなブラスセクションと、テリー・キャスの荒々しくも心地よいギターが絡み合うアップテンポなナンバーだ。この曲に『ロックンロール・シカゴ』という邦題を冠した当時のレコード会社のセンスには、今改めて拍手を送りたい。彼らの本分がブラスロックにあることを証明する名演である。

「If You Leave Me Now（愛ある別れ）」

ピーター・セテラが書き下ろし、自ら甘美に歌い上げた珠玉のバラードである。それまでのシカゴのイメージを覆すアコースティック・ギターと美しいストリングス、そしてフレンチホルンをフィーチャーした洗練されたアレンジが施されている。結果としてシカゴ初の全米1位、さらには全英1位をも獲得し、グラミー賞２部門に輝くなど、世界中にシカゴの名を轟かせるキラーチューンとなった。

「Another Rainy Day in New York City（雨の日のニューヨーク）」

ロバート・ラムの手による、カリブの風を感じさせるスティール・ドラムの音色が印象的なレゲエ調のポップナンバーである。アルバムの邦題『カリブの旋風』のイメージに最も合致する楽曲であり、バンドの音楽的な引き出しの広さと、当時のリラックスしたクリエイティビティを感じさせる隠れた名曲だ。

ザ・クラッシュの2nd『動乱』はなぜ過小評価されるのか｜『ロンドン・コーリング』前夜の最高級ロックンロール

伝説の幕開け：パンクの枠を飛び越えた「ザ・クラッシュ」とは

1976年、ロンドンで結成されたザ・クラッシュ（The Clash）は、セックス・ピストルズと並び、UKパンク・ロックのムーブメントを牽引した伝説的バンドである。ジョー・ストラマーのハスキーで情熱的なボーカルと、ミック・ジョーンズのキャッチーなメロディセンスが融合した彼らのサウンドは、「怒れる若者の音楽」の枠を超えた。

彼らが他のパンクバンドと一線を画していたのは、レゲエ、スカ、ロカビリー、R&Bといった多様な音楽性を貪欲に吸収する柔軟性と、政治的・社会的なメッセージをストレートに歌う知性を持っていた点である。その独自のスタイルは、のちのオルタナティブ・ロックやグリーン・デイをはじめとするモダン・パンク・シーンに決定的な影響を与え続けている。

1stから『ロンドン・コーリング』へ繋ぐ、重要な過渡期『動乱』

1978年にリリースされたセカンドアルバム『Give 'Em Enough Rope（邦題：動乱）』は、セックス・ピストルズが解散し、初期パンクの狂騒が終焉を迎えつつある時代に産み落とされた。

動乱(獣を野に放て)

本作を一言で表すなら、「パンクの殺気」から「洗練されたロックンロール」への大いなる飛躍である。衝動をそのままパッケージした1stアルバム『白い暴動』に比べ、本作ではアメリカ市場を意識したプロデューサーのサンディ・パールマンを起用。これにより、分厚くクリアなギターサウンドと、ダイナミックなボトムエンドを手に入れることに成功した。

この音楽的な大飛躍とビルドアップがあったからこそ、バンドは直後にロック史に残る不朽の大名盤『ロンドン・コーリング』を完成させることができたのである。まさにバンドの急成長を証明する、極めて重要なミッシングリンクと言える一枚だ。

『動乱』の音楽的特徴と主要楽曲の分析

本作の音楽的特徴は、パンクの持つスピード感やアグレッションを維持しながらも、スタジアム・ロックにも通用するスケール感のあるメロディとアレンジが施されている点にある。現在のオルタナティブ・パンクで見られるポップさとヘヴィさのバランス（いわゆる慣用句的なアプローチ）は、すでにこの時点で頻出している。

「Safe European Home」

アルバムのオープニングを飾るこの曲は、ジョーとミックがジャマイカのキングストンに滞在した際、現地で体験したリアルな恐怖や文化の壁を歌ったものである。疾走感あふれるパンクリフに、レゲエのグルーヴをロック的に解釈したリズムが絡み合う、本作屈指のキラーチューンである。

「English Civil War（英国動乱）」

伝統的なアメリカの民謡「ジョニーが凱旋するとき」のメロディをモチーフにした楽曲。キャッチーなメロディとは裏腹に、当時のイギリス国内で台頭していた極右勢力（ナショナル・フロント）への危機感を痛烈に批判した歌詞であり、彼らの政治的メッセージ性の強さがよく表れている。

「Tommy Gun」

ミック・ジョーンズのギターがまるで機関銃（トミーガン）の銃撃音のように響く、圧倒的なダイナミズムを持った楽曲。当時の世界を震撼させていたテロリズムやゲリラ組織、そしてそれを過激に報道するメディアを皮肉った、シャープで攻撃的な名曲である。

ジャケット写真に隠されたオマージュと日本のロックへの血脈

本作のジャケットデザイン（中国のプロパガンダ絵画をモチーフにしたもの）は非常に有名だが、ザ・クラッシュというバンド自体、ビジュアルやアートワークにおいて過去のポップアイコンへのオマージュを捧げることが多かった。例えば、次作『ロンドン・コーリング』のジャケットはエルヴィス・プレスリーのデビュー盤『エルヴィス・プレスリー登場！』を反転・模倣したものである。

こうした彼らのロックスピリットと遊び心は、海を越えた日本のアーティストたちにも多大な影響を与えた。日本の伝説的パンクバンド「ザ・モッズ（THE MODS）」の明確なルーツは間違いなくこの『動乱』のサウンドにあり、甲斐バンドのライブアルバム『100万$ナイト』のジャケットにみられるプレスリーオマージュなど、日本のロックシーンの至る所にクラッシュが撒いた種が息づいている。

1stの初期衝動とも、3rdのジャンルレスな混沌とも異なる、純粋に「強固なロックバンド」としてのザ・クラッシュを追体験できるアルバムだ。

エリック・クラプトンも惚れたサザンロックの至宝｜Cowboy『Boyer & Talton』に流れる至高のレイドバック・サウンド

 カウボーイ（Cowboy）という隠れた名バンド

サザンロックやスワンプロックの黄金期において、オールマン・ブラザーズ・バンドの陰に隠れながらも、玄人筋や目の肥えたミュージシャンたちから絶大な支持を集めたグループが存在する。それが「カウボーイ（Cowboy）」である。

彼らは、オールマンズの伝説的プロデューサーであるジョニー・サンドリンのバックアップのもとで2枚のアルバムを制作した。しかし、バンドは実質的な解散状態へと追い込まれてしまう。その窮地において、中心人物であったスコット・ボイヤーとトミー・タルトンの2人が強い絆で踏みとどまり、1977年に生み出した結晶こそが、セルフタイトルの傑作アルバム『Cowboy / Boyer & Talton』である。

ボイヤー&タルトン(エクスパンデッド・エディション)

グレッグ・オールマンやクラプトンを魅了したアーティストの背景

カウボーイ、とりわけアルバム『ボイヤー＆タルトン』のソングライティング・センスは、当時のトップアーティストたちを虜にした。

象徴的なエピソードが、オールマン・ブラザーズ・バンドのフロントマンであるグレッグ・オールマンとの関係である。グレッグの記念碑的なファースト・ソロアルバム『レイドバック（Laid Back）』において、彼らの楽曲「オール・マイ・フレンズ（All My Friends）」が取り上げられ、感動的な名演としてアルバムの核を担った。

また、グレッグのライブアルバム『グレッグ・オールマン・ツアー』でも彼らは見事な演奏を披露しており、マニアの間ではその実力が早くから知られていた。

さらに、そのグレッグの『レイドバック』に強いインスピレーションを受けたエリック・クラプトンは、自身の代表作『461 オーシャン・ブールバード』を制作する。

クラプトンは同作で、カウボーイの美しき佳曲「プリーズ・ビー・ウィズ・ミー（Please Be With Me）」をカヴァー。これにより、クラプトン自身の伝説的な「レイドバック期」が幕を開けることとなった。これほどまでに偉大なミュージシャンたちから愛された事実こそ、彼らの楽曲が持つクオリティの高さを証明している。

アルバム『Boyer & Talton』の音楽的特徴

本作『Boyer & Talton』は、カウボーイというバンド名と、ボイヤー＆タルトンという個人名が並記された、どこか曖昧なクレジットを持つ。これはバンドの解散劇を経て、2人のユニットとして再出発したという複雑な経緯によるものである。しかし、その音楽性には一切の迷いがない。

アルバム全体を支配するのは、極上の「レイドバック（くつろいだ）・サウンド」である。南部の泥臭いスワンプロックのフィーリングを残しつつも、スコット・ボイヤーとトミー・タルトンが紡ぐアコースティック・ギターの響き、美しく気品のあるメロディ、そして泥臭さと洗練が同居したツイン・ボーカルとハーモニーが絶妙にブレンドされている。単なる激しいサザンロックとは一線を画す、内省的で温かみのあるアコースティック・サザン・ポップとも言える独自の立ち位置を確立している。

主要楽曲の分析

1. 2人の絆が光るアコースティック・ナンバー

アルバムの随所で聴けるアコースティック主体の楽曲では、彼らの最大の武器であるソングライティングの緻密さが光る。シンプルながらも胸を打つコード進行と、そよ風のように心地よいメロディラインは、聴く者を一瞬でアメリカ南部の穏やかな風景へと誘う。

2. 進化したサザン・グルーヴ・トラック

カントリー・フォーク的なアプローチだけでなく、ジョニー・サンドリン直系のタイトでレイドバックしたリズムセクションが支えるミディアム・テンポの楽曲も秀逸である。タルトンの巧みなスライド・ギターとボイヤーの情感豊かな歌声が絡み合い、泥臭いスワンプ風味と都会的な洗練が見事なコントラストを描いている。

総評：掘り下げる価値のある「南部音楽の鉱脈」

サザンロックの枠にとどまらず、70年代のシンガーソングライター・アルバムやアメリカン・ルーツ・ミュージックの傑作としても、本作は極めて高い完成度を誇る。エリック・クラプトンやグレッグ・オールマンがなぜ彼らを求め、その楽曲を歌ったのか。本作を聴けば、その理由がはっきりと理解できるはずである。

音楽史のメインストリームの裏側にひっそりと残された、掘り起こされるべき豊かな鉱脈。カウボーイの『Boyer & Talton』は、今なお色褪せない輝きを放ち続けている。

※こんな名盤でメジャー・レーベルから出ているのに、配信系で名前を見ないな、と思ったらApple Musicでは「カーボウイ」という妙な名前で登録されていました。検索してみてくださいね。

【CCRの終焉】ラストアルバム『マルディ・グラ』が残した光と影：ジョン・フォガティの天才性を再考する

伝説のバンドを襲った不協和音：トム・フォガティの脱退

クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル（CCR）は、1960年代末から70年代初頭にかけて、アメリカン・ロックの頂点に君臨した。しかし、1972年にリリースされた7作目のアルバム『マルディ・グラ（Mardi Gras）』は、彼らの輝かしいキャリアの「ラストアルバム」となってしまう。

MARDI GRAS

バンドに決定的な亀裂を生んだのは、ギタリストでありジョンの兄でもある、トム・フォガティの脱退であった。数々の世界的大ヒット曲を書き上げ、唯一無二の圧倒的なボーカルでバンドを牽引した弟、ジョン・フォガティ。その天才すぎる弟への嫉妬と、バンド内の民主的なパワーバランスの崩壊が、トムを脱退へと突き動かしたと言われている。

民主主義が生んだ「歪み」：アルバム『マルディ・グラ』の音楽的特徴

トムの脱退後、残されたジョン・フォガティ、スチュ・クック、ダグ・クリフォードの3人は、それまでの「ジョンのワンマン体制」を改める選択をした。それが本作『マルディ・グラ』の最大の特徴であり、同時に最大の議論を呼ぶ要素となった。

本作では、メンバー全員が平等にソングライティングを担当し、自らリードボーカルを分け合うという完全な「民主主義」スタイルが採用されている。

カントリー・ロックやスワンプ・ロックの素朴な味わいは健在であるものの、ジョン以外のメンバーが手掛けた楽曲は、これまでのCCRが持っていた強烈なグルーヴやポップセンスとは異なる、どこか散漫な印象を拭えない。結果として、アルバム全体がひとつのバンドとしてのトーン＆マナーを失い、オムニバス作品のような歪さを内包することとなった。

主要楽曲の分析：ジョンの爆発する魅力と名曲『サムデイ・ネヴァー・カムズ』

アルバム全体の評価は賛否が分かれるものの、やはりジョン・フォガティが手掛けた楽曲のクオリティは突出している。

『サムデイ・ネヴァー・カムズ（Someday Never Comes）』

本作のA面ラストに配されたこの曲には、ジョン・フォガティのソングライター、そしてシンガーとしての魅力が凝縮されている。父親と息子の関係、そして人生のままならなさを描いた普遍的な歌詞は、当時のバンドの崩壊劇とも重なり、聴く者の胸を締め付ける。哀愁を帯びたメロディと、エモーショナルにハスキーな声を響かせるジョンのボーカルは圧巻であり、この1曲のためだけでも本作を聴く価値があると言える名曲である。

『スウィート・ヒッチ・ハイカー（Sweet Hitch-Hiker）』

アルバムから先行シングルとしてカットされた、疾走感あふれるロックンロール・ナンバー。ジョンのシャウトと、シンプルながらもドライブ感のあるギターリフは、黄金期のCCRを彷彿とさせる。バンドの終焉が近づいていることを忘れさせるほどのエネルギーに満ちている。

総評：やはりCCRは「ジョンのバンド」であった

『マルディ・グラ』を聴いて痛感させられるのは、皮肉にも「CCRの本質はジョン・フォガティそのものであった」という事実である。

メンバー間の平等を求めた結果、ジョンの圧倒的な存在感と普遍的なソングライティング、そして耀きに満ちた唯一無二の声こそが、CCRを特別なバンドにしていたことが証明されてしまった。本作はセールス的には成功を収めたものの、批評家からは酷評され、バンドは同年に解散を発表する。

しかし、崩壊の瀬戸際にあったからこそ生まれた『サムデイ・ネヴァー・カムズ』のような奇跡的な名曲も含め、ロック史における「偉大なるバンドの終焉の記録」として、今なお深い味わいを持つ一枚である。